Hallazgos desde la mitad del proceso/ Trouvailles au milieu du processus

Hallazgos desde la mitad del proceso

Las cosas que se me ocurren no se me presentan por su raíz,

sino por un punto cualquiera situado hacia el medio.

F. Kafka

Luego de nuestra quinta sesión del Taller de Danza y Escritura en el Foro Elefante (en total tendremos diez sesiones), y a partir de la experiencia previa de dos talleres piloto de cuatro sesiones cada uno que impartí durante el 2018, puedo plantear algunos puntos que me parecen valiosos para el desarrollo del trabajo “Investigación-creación: La danza como posibilidad de auto-enunciación” y que más tarde se puede ahondar en ellos.

De manera breve, señalo:

• El binomio “danza y escritura” además de resultar atractivo para quienes se acercan curiosos al taller, también ha permitido que las experiencias del cuerpo y del pensamiento encuentren un espacio de congruencia; que se hable sobre lo que se hace y se siente; que se dance a partir de lo que se piensa. Este trabajo doble de, por una parte, la abstracción del movimiento y, por otra, lo concreto de las palabras, ha facilitado también que cada participante del taller dialogue con sí mismo e indague en sus inquietudes, sus habilidades y las sorpresas que le trae el autoconocimiento. Además, escribir en algunos momentos y moverse en otros permite que el pensamiento y el cuerpo fluyan, se destraben, encuentren espacios de libre expresión y también momentos de reto personal donde no se sienten muy cómodos; sin embargo, alternar las actividades ayuda a que la experiencia de los participantes pueda transcurrir por lo conocido, lo desconocido, lo sencillo y lo complicado según su estado de cada sesión, su disposición, sus destrezas ya sabidas y las descubiertas.

• El trabajo con metáforas es central. Hace un par de meses (febrero 2019), asistí a una plática titulada “Fortaleciendo el bienestar y la resiliencia en el ámbito escolar a través de la conciencia corporal” que impartió la Dra. Hideko Tanamachi. La terapia que ella aborda está destinada a ayudar a las personas a superar eventos traumáticos. Me llamó la atención que Tanamachi comentaba que a los traumas “hay que tratarlos por la orilla”, no ir directo a ellos.

Esta idea me resonó porque en los talleres de Danza y Escritura que he impartido hemos dado con los meollos de cada participante un tanto así, yendo por alguna parte de la orilla. Es decir, la primera sesión no les pregunto directamente de qué quieren hablar durante el proceso creativo. Primero preparamos el cuerpo, lo sentimos, lo reconocemos frente a otros cuerpos, hacemos algunos juegos de escritura (como la escritura automática utilizada por los surrealistas, por ejemplo), y poco a poco vamos descubriendo los temas de los que cada uno quiere hablar. De esta manera, se puede hablar de temas importantes para cada quien pero sin miedo y sin prejuicios. A menudo les repito que lo que hacemos ahí es un juego y sus palabras, emociones, sentimientos, danzas, no quedan escritos con letras de oro; siempre hay cambio y hay que moverse con él.

Desde la primera sesión planteamos que el terreno que habitaremos es aquel de la metáfora y comenzamos hablando de su etimología que quiere decir “desplazar/llevar más allá; tratamos de “llevar más allá” de lo ordinario aquello que queremos expresar. Así, “rodear por la orilla”, vivir el taller habitando lo metafórico, permite que las exploraciones sean nutridas y que la intuición para establecer relaciones entre ideas, movimientos, formas, palabras, se desarrolle entre los participantes.

En la planeación de las sesiones, procuro que haya una metáfora alrededor de la cual se construya el trabajo de ese día.  

Respecto a la planeación y diseño de las sesiones:

• Comenzar el proceso hallando un tema personal con el que cada uno entrará a la creación permite que cada uno tenga un “eje rector” que le haga conservar el norte en su brújula. El tema personal lo he llamado “puerta de entrada a la creación”, inspirada en la siguiente cita de Clarissa Pinkola Estés (2009:37), quien se refiere a las puertas como posibilidades de auto-conocimiento y sanación:

“Si tienes una profunda herida, eso es una puerta; si tienes un cuento muy antiguo, eso es una puerta. si amas el cielo y el agua hasta el extremo de casi no poder resistirlo, eso es una puerta. Si ansías una vida más profunda, colmada y sensata, eso es una puerta”.  

Entre la primera y la segunda sesión, las actividades van encaminadas a que cada participante halle su puerta, su meollo a través del cual creará danzas y textos. Estas puertas reflejan las esencias de cada uno y permiten conocer a los otros. En lugar de representar un nombre, uno se representa a través de una “esencia”.

Además, tener por escrito las “puertas” permite permite hacer juegos individuales y colectivos: usar la propia puerta, juntar varias puertas, pasar por la puerta de alguien más, etc., que derivan en la producción de danzas y textos.

Los tema-puerta que eligieron los participantes del taller son:

imaginar y seguir imaginando, cuando rasco en mi interior mi hoy se alegra, soledad, vivir para aprender a tomar un camino o varios, ser o no ser; el gusto de entrar, al son de la música que palpita en mi interior, me miro al espejo y encuentro algo nuevo cada vez, profundidad, ¿qué camino seguir?, estar en el aquí y ahora, en este viaje somos la música que nos habita, solo este instante, una voz abierta, el cielo desde mis ojos, un barco perdido, recuerdos, vacío, sueño y magia, un torrente, solo sentir.

• Poner atención en planear las sesiones y los ejercicios de manera que haya espacio para lo individual, para lo colectivo y también para el tejido entre estos dos. Planearlas de modo que haya lugar para la danza, para la escritura y su tejido.

• A pesar de que existen un sinnúmero de ejercicios y calentamientos teatrales o dancísticos que las personas pueden conocer, comenzar con un calentamiento que sea congruente con el tema de cada sesión ayuda a reforzar la metáfora con la que se abordará ese día y nos prepara para ese trabajo. Por ejemplo, el tema de nuestra cuarta sesión era “pasar por la puerta de otro”, es decir, usar el tema de alguien más para crear algo propio. Ese día, el calentamiento consistió en un juego en el que cada uno se cambiaba de nombre y después, mientras caminábamos o trotábamos, nos lanzábamos un objeto llamando por su nombre inventado a quien queríamos lo que recibiera el objeto; lo llamábamos por el nombre de ese otro que estaba jugando a ser aquel día.

• Siguiendo un espíritu freiriano, procurar siempre acoger las individualidades y provocar las colectividades.

En cuanto al proceso de creación:

• En el proceso de investigación-creación sobre danzas unipersonales que desarrollé en la Maestría en Investigación de la Danza, establecí dos momentos principales del proceso de creación: uno de divergencia y otro de convergencia. Los momentos de divergencia están compuestos por actividades en las que tiene cabida la espontaneidad, la generación de materiales, la improvisación, las asociaciones libres. Es un trabajo “expansivo”. El otro momento de la creación es de convergencia; en él, los materiales generados (danzas y textos) son tratados como un artesano que, cuidadosamente, le da forma a un pedazo de arcilla. Este momento es para afianzar lo que se quiere decir y la manera en que se desea expresarlo; las actividades son de ordenar, analizar, sintetizar, precisar. Tener claro en qué momento de la creación estamos, permite dirigir las actividades hacia los objetivos de cada momento. No son momentos absolutos pero sí una guía para completar la creación.

Trabajar con estos dos momentos en mente da la pauta para no adelantar el proceso de convergencia y no querer cristalizar, fijar o determinar los materiales durante el de divergencia y, por otra parte, una vez que se está en el momento de convergencia, no perderse en más exploraciones “expansivas” y poder tomar decisiones respecto a lo que se presentará.    

• Nombrar lo que se hace da claridad y orden. Es útil poner nombre a las sesiones, a los ejercicios; que los participantes le pongan nombre a sus danzas y a sus textos. Además, al nombrar las creaciones estas adquieren un lugar, las hace tener importancia, las hace existir.

• La repetición puede formar parte del proceso creativo y se extiende hasta la presentación de una obra. Hasta el momento, ha resultado eficaz la metáfora de que las formas que construímos, las danzas, los movimientos que se fijan, son una especie de arquitecturas que se recorren cada vez según quiénes somos en ese momento de hacer los recorridos, esto, para que no sea una repetición vacía o sin sentido. Puede ser que descubramos ventanas o jarrones que no habíamos visto la primera vez que bailamos en esa “arquitectura”, en esa danza, o que podamos apreciar cómo entra la luz de distintas maneras (metáfora dicha por Sonia, una participante del taller, para hablar de cómo había abordado su misma danza pero con un peso y una intención distintos).  

Finalmente, habría que entregarse al proceso en todo momento; no dar por hecho que ya se sabe qué hacer. Más bien, hay que escuchar, tomar notas, buscar referencias, seguir las intuiciones.

 

Trouvailles au milieu du processus

Les choses qui me viennent à l'esprit ne me sont pas présentées par leur racine,

mais par tout point situé vers le milieu.

F. Kafka

Après notre cinquième session de l'atelier de Danse et d'Écriture au Foro Elefante (nous aurons au total dix séances), et sur la base de l'expérience antérieure de deux ateliers pilotes de quatre séances chacun que j'ai donnés en 2018, je peux en citer quelques points que je trouve utiles pour le développement du travail "Investigation-création: la danse comme possibilité d’auto-énonciation" et qu’on peut approfondir ultérieurement.

De manière bref, je signale que

• Le binôme "danse et écriture", en plus d’attirer les adeptes de l’atelier avec curiosité, a également permis aux expériences du corps et de la pensée de trouver un espace de congruence: parler de ce qu’on fait et on ressent; danser à partir de ce qu’on pense. Ce double travail, d’une part sur l’abstraction du mouvement et, d’autre part, sur le caractère concret des mots, a également permis à chaque participant de l’atelier de dialoguer avec lui-même et d’enquêter sur ses préoccupations, ses capacités et les surprises qu’il apporte la connaissance de soi. En outre, écrire à certains moments et bouger dans d'autres permet à la pensée et au corps de circuler, de se déverrouiller, de trouver des espaces d'expression libre ainsi que des moments de défi personnel où ils ne se sentent pas très à l'aise. Cependant, alterner les activités aide les participants à faire l'expérience du connu, de l'inconnu, du simple et du compliqué en fonction de l'état de chaque session, de leur disposition, de leurs compétences déjà connues et découvertes.

• Le travail avec les métaphores est central. Il y a quelques mois (février 2019), j'ai assisté à une conférence intitulée "Renforcer le bien-être et la résilience dans l'environnement scolaire grâce à la conscience du corps", animée par la Dr. Hideko Tanamachi. La thérapie à laquelle elle s'adresse est conçue pour aider les personnes à surmonter les événements traumatiques. J'ai été frappé par le fait que Tanamachi a commenté que les traumatismes "doivent être traités par le rivage", et ne les concernent pas directement.  
  

Cette idée m'a résonnée parce que dans les ateliers de danse et d'écriture que j'ai donnés, nous avons découvert les coeurs du sujet des participants, un peu comme ça, allant quelque part le long du rivage. C'est-à-dire que la première session ne leur demande pas directement de quoi ils veulent parler pendant le processus de création. Nous préparons d’abord le corps, nous le sentons, nous le reconnaissons devant d’autres organismes, nous réalisons des jeux d’écriture (comme l’écriture automatique utilisée par les surréalistes, par exemple), puis nous découvrons petit à petit les sujets que chacun veut aborder. De cette façon, nous pouvons parler de questions importantes pour chaque personne, sans crainte ni préjugé. Je répète souvent que nous faisons un jeu et que leurs mots, leurs émotions, leurs sentiments, leurs danses ne sont pas écrits en lettres d'or; Il y a toujours du changement et il faut bouger avec.

Dès la première session, nous avons proposé que le territoire que nous habiterions soit celui de la métaphore et nous commençons par parler de son étymologie qui signifie "se déplacer / poursuivre au-delà; nous essayons de "dépasser" l'ordinaire ce que nous voulons exprimer. Ainsi, "cerner le rivage", vivre l’atelier dans le métaphorique, permet de nourrir les explorations et de développer l’intuition d’établir des relations entre idées, mouvements, formes, mots, entre les participants.

Dans la planification des sessions, j'essaie d'avoir une métaphore autour de laquelle le travail de chaque séance est construit.  

Concernant la planification et la conception des sessions:

• Commencer le processus en trouvant un thème personnel avec lequel chaque personne entrera dans la création permet à chacun d’avoir un "axe de guidage" lui permettant de garder le nord dans sa boussole. Le sujet du personnel a été appelé «porte d’entrée à la création», inspiré par la citation suivante de Clarissa Pinkola Estés (2009:37), qui fait référence aux portes comme possibilités de connaissance de soi et de guérison:

"Si vous avez une profonde blessé, c'est une porte; si vous avez une très vieille histoire, c'est une porte. Si vous aimez le ciel et l’eau au point de ne pas pouvoir y résister, c’est une porte. Si vous aspirez à une vie plus profonde, plus complète et plus sensée, c'est une porte". 

Entre la première et la deuxième session, les activités visent à ce que chaque participant trouve sa porte, son noyau à travers lequel il créera des danses et des textes. Ces portes reflètent les essences de chacun et permettent de connaître les autres. Au lieu de représenter un nom, on est représenté par une "essence".

De plus, avoir les "portes" écrites nous permet de créer des jeux individuels et collectifs: utiliser la porte elle-même, rassembler plusieurs portes, franchir la porte de quelqu'un d'autre, etc., ce qui donne lieu à la production de danses et de textes.

Les portes thématiques choisies par les participants à l'atelier sont:

imaginez et continuez à imaginer, quand je gratte dans mon intérieur mon aujourd'hui est heureux, solitude, je vis pour apprendre à prendre un chemin ou plusieurs, être ou ne pas être; le plaisir d'entrer, au son de la musique qui bat dans mon intérieur, je me regarde dans le miroir et je trouve chaque fois quelque chose de nouveau, une profondeur, quelle voie suivre?, pour être dans l'ici et maintenant, dans ce voyage nous sommes la musique qui nous habite, seulement cet instant, une voix ouverte, le ciel de mes yeux, un navire perdu, des souvenirs, du vide, des rêves et de la magie, un torrent, rien que pour ressentir.

• Faire attention à planifier les séances et les exercices de manière à laisser de la place à l’individu, au collectif et également au tissu entre les deux. Planifier-les de manière à laisser place à la danse, à l'écriture et à son tissage.

• Bien qu’il existe d'innombrables exercices et échauffements théâtraux ou de danse que les gens peuvent connaître, commencer par un échauffement cohérent avec le thème de chaque session contribue à renforcer la métaphore avec laquelle cette journée sera abordée et à nous préparer à cette séance de travail. Par exemple, le thème de notre quatrième session était "passer par la porte de quelqu'un d'autre", c'est-à-dire, d’utiliser le thème de quelqu'un d'autre pour créer quelque chose de propre intérêt. Ce jour-là, le réchauffement consistait en un jeu dans lequel chacun changeait de nom et ensuite, en marchant ou en trottinant, nous lançions un appel d'objet par son nom inventé à qui nous voulions ce que l'objet recevait; nous l'avons appelé par le nom de l'autre personne qu'il jouait à être ce jour-là.

• En suivant l’esprit du pédagogue Paulo Freire, essayez toujours d’accueillir les individualités et de provoquer les collectivités.

Concernant le processus de création:

• Dans le processus de recherche-création sur les danses en solo que j'ai développé dans le Master en recherche en danse, j'ai établi deux moments principaux du processus de création: l'un de divergence et l'autre de convergence. Les moments de divergence sont composés d'activités dans lesquelles la spontanéité, la génération de matériaux, l’improvisation et les associations libres ont leur place. C'est un travail "expansif". L'autre moment de la création est la convergence. Dans celui-ci, les matériaux produits (danses et textes) sont traités comme des artisans qui façonnent soigneusement un morceau d'argile. Ce moment est destiné à renforcer le sens et la manière dont nous voulons l’exprimer; les activités sont à commander, analyser, synthétiser, spécifier. Être clair sur le moment où nous sommes dans la création nous permet d'orienter les activités vers les objectifs de chaque moment. Ce ne sont pas des moments absolus mais un guide pour compléter le travail créatif.

Travailler avec ces deux moments à l’esprit donne le ton pour ne pas avancer le processus de convergence et ne pas vouloir cristalliser, fixer ou déterminer les matériaux pendant la divergence et, d’autre part, une fois qu’on est au moment de la convergence, ne se perdre pas dans des explorations plus "étendues" et être capable de prendre des décisions concernant ce qui sera présenté.  

• Nommer ce qui est fait donne de la clarté et de l'ordre. Il est utile de nommer les sessions, les exercices; que les participants nomment leurs danses et leurs textes. De plus, en nommant les créations, elles acquièrent une place, les rendent importantes, les font exister.

• La répétition peut faire partie du processus de création et s’étendre à la présentation d’une œuvre. Jusqu'à présent, cette métaphore a été efficace: les formes que nous construisons, les danses, les mouvements fixes sont une sorte d'architectures que l'on croise chaque fois en fonction de qui nous sommes au moment de faire les tournées, de sorte que ce n'est pas une répétition vide ou sans signification. Il se peut que nous découvrions des fenêtres ou des vases que nous n'avions pas vus la première fois que nous avons dansé dans cette "architecture", dans cette danse, ou que nous pouvons comprendre comment la lumière pénètre de différentes manières (métaphore dit par Sonia, une participante à l’atelier, pour parler à propos de comment elle avait abordé sa même danse mais avec un poids et une intention différents).   
  
  Enfin, on devrait se rendre au processus à tout moment; ne pas présumer qu’on sait déjà quoi faire. Plutôt, il faut écouter, prendre des notes, chercher des références, suivre les intuitions.

Detalle de un movimiento/ Détail d'un mouvement